LO MÁS FREAK DEL MES.

Hacía ya tiempo que no escribía en una de mis secciones favoritas de este blog... Ahora que lo he retomado con nuevas energías gracias al tiempo libre, va siendo hora de recopilar un mes más aquellos eventos que por su toque freak me han impresionado muy gratamente. Vamos allá...

• Patidifuso me quedo al descubrir que mi admirada Felicia Day (Dr. Horrible's Sing-Along Blog, The Guild, Dollhouse, Buffy) será la protagonista de Red: Werewolf Hunter, una puesta al día del clásico cuento de Caperucita Roja que narra las aventuras de una de sus descendientes. Se trata de un telefilm que se estrenará el próximo día 30 de Octubre en el canal SyFy USA. 

Los protagonistas de la cinta.

Felicia Day.

• Sigo con interés el regreso de la población a los refugios subterráneos tras el gran apocalipsis nuclear en USA. Por supuesto, hablo de ficción y, en conreto, del lanzamiento durante la pasada madrugada de Fallout: New Vegas, que ya está cosechando críticas excelentes por parte de la crítica especializada y del gran público. Por mi parte, tendré que esperar al próximo día 22 para echarle el guante en España y regresar por fin al Yermo. 

La edición coleccionista es realmente completa...

• Revisito una vez mas mi querida Life On Mars (USA), serie de TV que marcó un antes y un después para mi. Esta vez, con la mejor compañía :-) P.D.- Gene Hunt rules!

Un cast fantástico como pocos en el que destaca Harvey Keitel en el papel del Teniente Gene Hunt

• Espero con ansia dos títulos increíbles para PC Xbox360 y PS3: Deus Ex Human Revolution y Bioshock Infinite. ¿Cuál será mejor?. Me decanto por Deus Ex Human Revolution, que ha logrado cautivarme con su estética ciberpunk renacentista y su increíble y maravilloso trailer, lleno de detalles visuales que me hacen rememorar Blade Runner (y eso, amigos, es siempre algo bueno...)

• Me hago con la versión blu-ray del mítico documental Cosmos, de Carl Sagan. De pequeño, lo veía entusiasmado (todavía tengo todos los VHS originales en casa) y... ahora que soy un biólogo hecho y derecho... disfrutaré como un crío viéndolo de nuevo ;-)

El gran Sagan en una imagen del documental.

• Tras meses de sequía videojueguil, termino Mafia 2 y Splinter Cell Conviction. El primero, un clásico instantáneo (aunque tristemente corto) y el segundo, la entrega más accesible y espectacular de Sam Fisher. Ambos, geniales.

El acabado gráfico de Mafia 2 roza el sobresaliente.

La mítica escena del baño... o como lucir interactividad, violencia y esplendor gráfico, todo en uno...

• Rememoro los mejores momentos de Fying Circus, la mítica serie de los Monty Python... y entre otros muchos sketches memorables, viene a mi cabeza "The Bishop". Absolutamente tronchante.

 

• Recorro, asustado, los pasillos oscuros de la USG Ishimura en mi Xbox360. Defnitivamente, Dead Space es uno de los mejores survival horror de los últimos años... y su acabado gráfico es sencillamente impresionante incluso hoy en día, cuando falta cada vez menos para la publicación de su continuación.

• Leo en Ain't It Cool que Terry Gilliam retoma el fallido proyecto The Man Who Killed Don Quixote, cuyo trágico rodaje dio lugar al magnífico (aunque algo enrevesado) documental Lost In La Mancha, que todo cinéfilo fan de Gilliam debería ver sí o sí.

Imagen del documental Lost In La Mancha.

• Muerdo mis uñas esperando a que se emita al fin la serie inspirada en Juego de Tronos (A Song of Ice And Fire Vol 1: A Game of Thrones, George R.R. Martin) y mas aún tras enterarme de que el propio Martin estuvo presente en el set y salió de allí totalmente feliz, repitiendo una y otra vez que los responsables de la serie en el canal HBO "han captado la esencia perfectamente".

Imagen del teaser trailer oficial emitido por la HBO

 

• Pongo al día este blog, renuevo el diseño y descubro, agradecido, las mejoras en el editor WYSIWYG de Blogger... así da gusto ;-)

RIDLEY SCOTT ADAPTARÁ OTRA OBRA DE PHILIP K. DICK.

Para quienes no hayais oído hablar nunca de Philip K. Dick, tan solo os diré que es uno de los escritores de ciencia ficción más brillantes (posiblemente también el más drogadicto, paranoico, maniático y esquizofrénico) y no solo eso, sino que también es con toda probabilidad aquel con más obras adaptadas a la gran pantalla. Algunas de estas películas son:

- Blade Runner (Blade Runner, 1982). Basada en la novela ¿Sueñan Los Androides Con Ovejas Eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep?, 1968).

- Minority Report (Minority Report, 2002). Basada en el relato El Informe de La Minoría (The Minority Report, 1958).

- Desafío Total (Total Recall, 1990). Basada en el relato Podemos Recordarlo Todo por Usted (We Can Remember It For You Wholesale, 1966).

- Paycheck (Paycheck, 2003). Basada en el relato La Paga (Paycheck, 1952).

- Next (Next, 2007). Basada en el relato El Hombre de Oro (The Golden Man, 1954).

- Una Mirada A La Oscuridad (A Scanner Darkly, 2006). Basada en la novela Una Mirada A La Oscuridad (A Scanner Darkly, 1977).

- El Infiltrado (Impostor, 2002). Basada en el relato El Impostor (Impostor, 1953).

- Asesinos Cibernéticos (Screamers, 1995). Basada en el relato La Segunda Variedad (Second Variety, 1953).

- Confesiones de Un Artista de Mierda (Confessions d'un Barjo, 1992) basada en la novela Confesiones de Un Artista de Mierda (Confessions of A Crap Artist, 1959).

¿A que estos títulos ya os suenan mas?. Hace años, siendo un niño todavía, recuerdo haber leído algunos de sus relatos cortos y, ya en la adolescencia, también alguna novela. Se trataba, por supuesto, de ¿Sueñan Los Androides Con Ovejas Eléctricas?, la que dio lugar a mi queridísima Blade Runner (ver el análisis de la edición Final Cut en este blog y el análisis de Futuro En Negro, también en este blog).

El caso es que durante este verano me he empapado completamente de la literatura de P.K. Dick, leyendo las obras que tenía en mi particular lista de "libros por leer" y releyendo algunas de mis favoritas (Tiempo de Marte, El Hombre En El Castillo, Ubik, Lotería Solar, La Pistola de Rayos, etc.). Mi sorpresa ha sido mayúscula al leer el otro día en la web de Syfy blastr que el cineasta Ridley Scott adaptará para la televisión El Hombre En El Castillo (The Man In The High Castle, 1962) en papel de productor y a través de la productora que comparte con su hermano Tony: Scott Free Productions, que ya nos trajo recientemente la adaptación en formato miniserie de Los Pilares de La Tierra. Así, el famoso director inglés volverá a estar estrechamente implicado en la adaptación de un relato de Dick después de su gran film de culto Blade Runner.

Portada de una edición norteamericana del libro. La influencia de la estética Blade Runner se hace notar tremendamente...

El Hombre En El Castillo, nos propone una realidad alternativa en la cual los nazis y Japón han ganado la Segunda Guerra Mundial, conquistando toda Europa y USA. Este cambio en el curso de los acontecimientos propicia una serie de circunstancias de lo mas curioso, que llevarán a los protagonistas de la historia a entrar en contacto en algún momento con la novela La Langosta Se Ha Posado, un best-seller de ficción prohibido que plantea una realidad alternativa en la cual el bando aliado sí ha ganado la Guerra. "El hombre en el castillo" que da título a la novela de Dick es el autor de este best-seller ficticio y se dice de él que vive atrincherado en un castillo de localización desconocida por miedo a represalias de las autoridades.

Otra portada del libro en USA. Ésta, ciertamente llamativa e impactante.

"Es para mi una alegría y un privilegio regresar al mundo de Dick. He sido un fan durante toda mi vida. Él es el maestro en la creación de mundos que no solo desatan la imaginación, sino que también ofrecen un comentario más profundo sobre la condición humana", dice Scott.

El guionista escogido para el proyecto no es otro que Howard Brenton (autor del show de TV Spooks) y, aunque no conocemos todavía quién será el director escogido, cruzo los dedos para que Scott se decida a dirigir el primer capítulo, al menos.

La miniserie de 4 capítulos será emitida en el canal de la BBC en algún momento de 2011-2012.

BÓVEDAS DE ACERO. UN CRIMEN IMPOSIBLE AMBIENTADO EN UN FUTURO PLAUSIBLE.

En un futuro lejano, en el que el hombre ha sido capaz de colonizar nuevos planetas, la población de la Tierra vive confinada en ciudades de proporciones gigantescas que crecen en sentido altitudinal, auténticas bóvedas de aséptico acero que se pierden en las alturas. Alimentados por derivados de la levadura y desarrollándose en precario equilibrio, los terrestres miran con envidia y miedo a sus parientes espaciales, humanos que han nacido en otros planetas fruto de la colonización y que viven en armonía perfecta con los robots que han desarrollado, siguiendo lo que ellos llaman un "modelo C/Fe".


Elijah Baley es un humano terrestre de lo más normal... realiza su trabajo diario con meticulosidad, tiene una esposa y un hijo de 16 años y, como la mayor parte de los humanos terrestres, siente una cierta aversión por los robots, los cuales ya han empezado a sustituir a las personas en diversos cargos laborales. Pero, además, Baley es un poli neoyorquino de clase C5 al que se le ha asignado un caso de lo más delicado: resolver el asesinato de un importante científico del enclave espacial (un puesto avanzado de los espaciales en la Tierra). Todos los indicios apuntan a que el asesino ha sido un terrestre y, de confirmarse esta hipótesis, provocaría un aumento de la tensión en las relaciones entre ambas culturas. Pero Bailey no estará solo en su difícil tarea pues los espaciales han insistido en enviar a un investigador propio: Daneel Olivaw, un robot de aspecto virtualmente idéntico al de un humano que se convertirá, contra los deseos de Baley, en su nuevo compañero.

Está claro que Isaac Asimov no era el mejor narrador de su época... plasmaba sus ideas con un estilo más que correcto pero, en mi opinión, no era el mago de las palabras que algunos quieren ver en su persona. Sin embargo, sí era un auténtico genio, un adelantado a su tiempo y, mezclando su brillante imaginación con un conocimiento científico apabullante, dio vida a numerosas obras que hoy en día son clásicos indiscutibles de la literatura de ficción y que seguirán siéndolo en el futuro. Libros más que bien escritos, meticulosos y con momentos concretos de auténtica brillantez literaria; historias fabulosas fundamentadas en una base científica (casi) impecable; obras memorables que resultan profundas a la vez que accesibles.

Conozco la obra de Asimov desde hace años, gracias al fanatismo juvenil de mi padre hacia este autor. No se trata de que él me recomendara sus libros, ni de que me los pusiera delante de las narices... simplemente tuve la suerte de crecer en una casa repleta de libros y, entre ellos, había un buen puñado de obras de ficción de los años '50, '60 y '70 que me miraban día y noche desde las estanterías de mi dormitorio... así que la tentación de tomarlos y explorar sus páginas era demasiado grande como para obviarla... Mundos fantásticos, futuros imposibles, otros terroríficamente realistas, robots, ciudades en el espacio, el conflicto ético y moral del hombre frente al desarrollo científico e incluso el sentido mismo de lo que significa ser humano... no parecen los típicos argumentos literarios dirigidos a un niño de 10 años pero doy fé de que pueden atrapar su imaginación y entusiasmarlo hasta límites insospechados... al menos conmigo lo lograron.

A pesar de lo dicho, hoy en día me encuentro muy pero que muy lejos de ser un experto en la obra de Asimov; he leído algunos de sus libros (aunque no tantos como mi padre ;) ) y me fascinan pero (... y esto es una suerte...) todavía me quedan muchos por disfrutar. Aunque parezca mentira uno de ellos era este Bóvedas de Acero, un clásico impecable que suele citarse como una de las obras indispensables en el inmenso repertorio escrito por el maestro Asimov y en ese fecundo campo que es la literatura de ciencia ficción en general.

Ahora que por fin ha caído en mis manos esta buena edición publicada en España por Bibliópolis (la misma compañía que tiene los derechos de reproducción de la saga de Geralt de Rivia) y he podido leerla con calma y un inmenso placer, mi impresión es enorme: además de parecerme uno de los mejores libros de Asimov que he podido leer, esta gran historia de ficción contada en clave policiaca (una estrategia narrativa que al señor Asimov le gustaba particularmente y, si no me creéis, leed su más que recomendable Asesinato en la convención) ha logrado engancharme como pocas. La ambientación fascinante, los personajes perfectamente construidos y una narración muy correcta no logran ocultar un poderoso trasfondo ideológico que nos obliga a ponernos en la piel de varios personajes y plantearnos algunas cuestiones éticas, psicológicas e incluso filosóficas de lo más interesante.

Tal y como dicen muchos expertos, Bóvedas de Acero es un clásico imprescindible de la ciencia ficción. Si os gusta el género y os atrae lo que os acabo de contar, no tardéis tanto como yo tardé en leerlo; ¡no esperéis más!... corred a conseguir un ejemplar y disfrutadlo. No os decepcionará.

DIEZ AÑOS DISFRUTANDO DEL COMIC EN A CORUÑA (II). YOSHIHIRO TATSUMI.

En mi anterior artículo sobre el festival "Viñetas desde o Atlántico" destacaba la importancia del colorista mosaico de autores que los responsables del evento habían logrado convocar este año en A Coruña. Si lograr tal nivel de calidad era un desafío, traer a un importante autor japonés lo era todavía más. Por eso, cuando el señor Tatsumi accedió a obsequiarnos con su presencia en el salón del comic coruñés, los organizadores del evento no acababan de creérselo. Las palabras de Miguel Anxo Prado lo ilustran a la perfección: "Traer a Tatsumi fue un sueño".

Mujeres, de Yoshihiro Tatsumi.

UN ICONO DEL COMIC MUNDIAL AL ALCANCE DE TODOS.

Es la primera vez que lo veo en persona y en apenas 5 minutos ya me ha causado una gran impresión. Yoshihiro Tatsumi está sentado detrás de una enorme mesa y soporta con tranquilidad, humildad y gesto agradecido una considerable cola de gente que quiere un autógrafo del maestro. Allí estoy yo, entre este grupo de curiosos, admiradores y amantes del comic, apretando entre mis dedos inquietos un ejemplar de Mujeres. Llama poderosamente la atención su indumentaria, que refleja fielmente la fusión de las culturas oriental y occidental: deportivas blancas de marca en sus pies, una sencilla camisa clara insinuada bajo un kimono que lo envuelve casi por completo y, en su cabeza, un divertido gorro que jamás podría combinar con el resto de la ropa. La firma de cada ejemplar es un pequeño ritual que comienza cuando el autor revisa su obra en busca de una referencia pictórica adecuada; con gran destreza, el maestro echa mano de su juego de rotuladores rojos, negros, azules y verdes y elabora con cuidado exquisito una ilustración minuciosa y bella relacionada con la obra que sostiene en sus manos. Tras rematar el dibujo con una delicada firma, Tatsumi devuelve este libro (ahora único y exclusivo) a su propietario con una respetuosa y vehemente inclinación de cabeza y un agradecimiento fervoroso, amable y sincero.

Yoshihiro Tatsumi firmando ejemplares en Viñetas Desde O Atlántico.

Llega mi turno y no puedo evitarlo: sigo hipnotizado cada uno de sus trazos, intrigado por el dibujo que me va a dedicar. Encantado con el resultado y emocionado por el gesto, inclino torpemente la cabeza y le respondo con mi mejor sonrisa y un apenas audible "muchísimas gracias".


¿QUIÉN ES YOSHIHIRO TATSUMI?. PRIMEROS TRABAJOS EN JAPÓN. LA INFLUENCIA DEL MAESTRO OSAMU TEZUKA.

Yoshihiro Tatsumi nació en Osaka el año 1935. Así, a la edad de 10 años, el futuro mangaka fue testigo de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial, un hecho que marcaría su obra posterior en publicaciones como Good-Bye, un conjunto de historias cortas que abordan de forma realista el clima de devastación causado por la guerra en su país.

Good-Bye, de Yoshihiro Tatsumi.

Durante la conferencia que siguió a la sesión de firmas, y con la inestimable ayuda de una traductora, Tatsumi nos contó algunas cosas sobre sus comienzos en el mundo del manga, su relación con Osamu Tezuka y la evolución de su obra. Todo comenzó con una simpática frase: "Hola, ¿cómo estáis?. Soy Tatsumi".

En la opinión de Tatsumi, Tezuka fue "el primero en dotar de historia a los mangas".
Su primer contacto con la obra del maestro Osamu Tezuka ocurrió a la edad de 12 años y le emocionó tanto que empezó a dibujar. Con 15 años, Tatsumi seguía siendo un gran fan del maestro y fue a esta edad precisamente cuando tuvo la oportunidad de conocerlo en persona: el joven Tatsumi acababa de ganar un premio de una editorial japonesa y, durante la ceremonia, le presentaron a Osamu Tezuka. Con palabras que destilaban buenos recuerdos, Tatsumi nos contó cuan grande fue su emoción al tener a su ídolo ante sus ojos y ver en el periódico, al día siguiente, las fotos en las que salían juntos. Tal vez fue debido a la emoción, pero el caso es que Tatsumi afirmó no recordar lo que habló con él en aquella ocasión.

Posteriormente, Tezuka se mantuvo en contacto con él y, llegado el momento, le aconsejó que dibujara una obra larga (la que más tarde sería su primera obra publicada por una editorial).
Pero llegó un día en que el maestro se mudó de Osaka a Tokyo y, a partir de ese momento, el contacto entre ambos genios del manga se vería bastante limitado.


NACE UN FORMATO MÁS ADULTO: EL GEKIGA.

Llegaría un momento en que Tatsumi y otros mangakas visionarios de la época establecerían un estilo de historias más serias y adultas que las que se publicaban en el Japón de aquellos tiempos y lo harían luchando contra viento y marea (algunos colegas de Tatsumi tuvieron contratiempos con la policía debido a sus obras). Para comprender la necesidad de ese cambio, Tatsumi nos ilustró con un ejemplo de lo más pintoresco: "En los mangas de la época, si se le cortaba la cabeza a un samurai nunca salía sangre y, pocas viñetas después, los demás personajes de la historia decían: 'ojalá siga vivo' ".

En 1957 Japón comienza a recuperarse de la crisis generada por la Segunda Guerra Mundial y aparece un boom económico. En este momento, un joven Yoshihiro Tatsumi de 20 años comienza a publicar junto con otros autores de la época revistas más serias, más adultas y de formato más grande que el habitual (es decir, con mayor número de páginas), surgiendo así un estilo de manga más adulto que pronto empezaría a conocerse como gekiga.

Tatsumi no duda un segundo al mencionar el cine italiano y francés de la época como una fuente de inspiración para el gekiga. Al Japón de los años '60 llegaba mucho cine americano, italiano y francés. Mientras que en las películas americanas "el final suele ser feliz y ganan los buenos", el cine italiano y el francés es más pesimista y realista y "no siempre tiene un final feliz", un denominador común con las obras que Tatsumi y sus colegas escribían durante esos años.

Una evolución natural que surgió en el movimiento gekiga fue la reducción paulatina del texto, de modo que la acción pasa a ser más visual: el dibujo explica la práctica totalidad de la historia y los personajes transmiten sus sentimientos al espectador a través de sus miradas silenciosas. Así, el gekiga se estabeció desde el comienzo como una necesidad vital para los propulsores de este movimiento underground: una bella forma de exteriorizar los sentimientos de dolor, tristeza y pobreza que inundaron Japón tras el mayor conflicto bélico de la historia, la Segunda Guerra Mundial.


LA OBRA DE TATSUMI EN UN CONTEXTO INTERNACIONAL.

Érase una vez un ciudadano japonés asentado en Suiza que decidió presentar la cultura japonesa que tanto amaba a otros países. Para llevar a cabo esta labor, escogió el manga como representante artístico. Así, este hombre contactó con Tatsumi para publicar su obra en Suiza a través de la revista Le Cri Qui Tue. A raíz de esta publicación, Josep Berenguer se puso en contacto con Tatsumi para intentar publicar su obra en la revista española El Víbora. Inicialmente, Tatsumi declinó la oferta pero, ante tamaña insistencia, finalmente aceptó.

Es así como, durante los años '80, llega a España por primera vez una historia de Yoshihiro Tatsumi. Esta historia, Good-Bye (hoy editada en un álbum), acabaría publicándose en el número 5 de la revista El Víbora.

Existe un tomo llamado Qué triste es la vida que recopila todas las historias de Tatsumi publicadas hasta aquel momento en El Víbora.

The Push Man & other stories, el primero de una serie de recopilatorios que se están editando actualmente en USA.

Para editar en otros países, a Tatsumi le pedían los dibujos originales y no se los devolvían. Por esta razón, se conservan pocos originales de esa época y los editores se ven ante la necesidad de escanear los dibujos a partir de revistas antiguas para hacer las nuevas ediciones.

Por desgracia, este maltrato al maestro del gekiga continúa hoy en día en países como China y Corea, donde se siguen sin respetar los derechos de autor. Así, en muchos países todavía se publican ilegalmente las obras de Yoshihiro Tatsumi.

A lo largo de 2004 se editan cinco álbumes de Yoshihiro Tatsumi en España. El autor, nos dijo que no comprendía esta especie de moda surgida recientemente en torno a su obra en nuestro país, pero recalcó que probablemente internet tendría algo que ver.

Tres de estos álbumes (Good-Bye, Infierno y Mujeres) los edita La Cúpula, siguiendo el orden de lectura occidental; mientras que los otros dos (Venga, Saca Las Joyas y La Gran Revelación) corren a cargo de la editorial Ponent Mon, que los saca a la venta en formato de lectura oriental (de derecha a izquierda).


Para finalizar mi crónica, quiero recalcar la magnética personalidad de este maestro del manga y su enorme humildad, respeto y amabilidad. Existen pocos autores de este calibre en el mundo y me siento muy afortunado por haber estado allí para aprender de sus palabras y disfrutar de su presencia. Además, Yoshihiro Tatsumi firmó mi ejemplar de Mujeres y me hizo un dibujo realmente chulo. ¡Todo un lujo y una oportunidad única en la vida!.

Espero sinceramente que os haya gustado la crónica y que el año que viene os animéis a visitar el Salón del comic Viñetas desde O Atlántico aquí en A Coruña. Desde luego, yo procuraré no faltar a la cita y, quién sabe, tal vez nos veamos por allí. Ya me contaréis :-)

DIEZ AÑOS DISFRUTANDO DEL COMIC EN A CORUÑA (I). JEFF SMITH.

Hace ya unos meses y a lo largo de toda una semana (desde el 13 al 19 de Agosto), A Coruña (Galicia, España) acogió por décimo año consecutivo una nueva edición del Salón del Comic "Viñetas Desde O Atlántico": un festival diseñado para hacer las delicias de todos aquellos que disfrutamos con el comic y para ensalzar una forma de arte que, en uno u otro formato, disfruta gente de todas las edades. Generaciones enteras unidas por la nostalgia, el coleccionismo, la cultura y la afición por una forma de contar historias que nunca morirá ni podrá ser sustituída por el cine (como dijo Tim Sale durante su conferencia).

Los puestos de venta de diversas tiendas especializadas, como El Baúl de Los Recurdos, A Gata Tola, E-Toys o Norma Comics Vigo, se encontraban en las cercanías del Kiosco Alfonso y cerraban durante el mediodía. Todos ellos tenían algún artículo interesante y algunos escondían auténticas joyas a un precio estupendo.

Todos los días que duró el Salón del Comic tuvieron un denominador común: afluencia contínua de gente (incluso cuando llovía).

El Kiosco Alfonso se vistió de gala para la ocasión.

Una vez más, A Coruña se vio invadida por las figuras de los héroes (nacionales e internacionales) que lucían como coloristas estatuas en algunos de los sitios más emblemáticos de la ciudad. Superman, Batman, Spiderman, Mortadelo y Filemón, el Capitán Trueno, Hellboy, Tintín y Lucky Luke fueron algunos de los afortunados que durante unos días lograron convertirse en improvisados monumentos al comic y objeto de deseo para los más pequeños, que no dudaban en fotografiarse con ellos a la mínima que sus padres sacaban la cámara del estuche.

Spiderman trepando por El Obelisco

El Capitán Trueno, héroe patrio

Wonder Woman también acudió a la cita

Un Torpedo con cara de pocos amigos guardaba la entrada al Kiosco Alfonso, donde Tim Sale, Jeff Smith, Yoshihiro Tatsumi y muchos otros nos hicieron disfrutar con su presencia

Incluso pudimos ver a Groucho dándose un paseo por la zona

Este año los organizadores se han superado a sí mismos, brindándonos la oportunidad de disfrutar con la presencia de autores procedentes de diversos países, exposiciones de ilustraciones originales de estos autores y divertidas sesiones de charla-coloquio con los artistas.

La reunión de un puñado de importantes figuras del comic de carácter muy diverso se traduce en un mosaico artístico de gran importancia: una visión caleidoscópica del mundo a través de la viñeta. Tim Sale (EEUU), Jeff Smith (EEUU), Yoshihiro Tatsumi (Japón), Rutu Modan (Israel), Santiago Valenzuela (España), Juanjo Sáez (España), Sergi San Julián Gil (España), Jean-Louis Tripp (Francia) y Étienne Davodeau (Francia) fueron los invitados de esta edición.


Para éste mi primer artículo sobre Viñetas desde o Atlántico, me centraré en la figura de Jeff Smith.

Jeff Smith firma un ejemplar de Bone en el Kiosco Alfonso

Si os suena este nombre probablemente lo asociaréis de inmediato a Bone, su creación más elogiada: la epopeya heroica de tres personajes que han sido expulsados de su pueblo (Fone Bone, Phoney Bone y Smiley Bone), que mezcla dramatismo y diversión a partes iguales.

En la charla, un Smith cercano y divertido nos habló de 3 proyectos personales:

- Bone.- Bone es, en palabras del propio Smith, una particular visión del mundo de El Señor de Los Anillos mezclada con Huckleberry Finn. El autor lleva ya 15 años dando forma al universo de Bone, una serie que comenzó a autoeditar desde su garaje, con ayuda de su mujer. Cuando la serie empezó a convertirse en todo un éxito, grandes editoriales intentaron comprarla ¡pero era demasiado tarde!; palabras de Smith, acompañadas de un gracioso gesto que resultó muy gráfico :-)

El primer tomo de Bone, publicado en España por Astiberri.

Los asistentes tuvimos el gran privilegio de contemplar en exclusiva varios bocetos para las portadas de los volúmenes 6, 7 y 8 de Bone.

Cuando nos enseñó las imágenes para el Volumen 6 (Old Man's Cave), Smith nos explicó que normalmente prepara 4 bocetos para la portada antes de tomar una decisión final y que únicamente utiliza a un colorista, que trabaja junto a él, codo con codo.

La gran sorpresa llegó cuando, acto seguido, Smith nos mostró los bocetos para la portada del Volumen 7 (Ghost Circles). Aquí nos explicó, divertido ante nuestro asombro, que trabaja con mucha antelación porque "Bone" se imprime en Hong Kong.

Además, pudimos ver los bocetos para la portada del Volumen 8 (Treasure Hunters).


Jeff Smith también nos contó la divertida historia sobre la edición de Bone en color (originalmente, fue publicado en blanco y negro).

La editorial que publica Bone en EEUU es Scholastic, los mismos que han publicado los libros de Harry Potter y el premiado Maus, de Art Spiegelman. Según parece, fue el propio Spiegelman quien convenció a los directivos de Scholastic para editar Bone. Smith fue a la sede de Scholastic en Nueva York, donde finalmente lo convencieron. La idea de editarlo en color fue de Spiegelman; a Scholastic le daba igual, Smith lo quería en blanco y negro y Spiegelman insistía en que debía colorearse. Cuando Smith señaló a Spiegelman que Maus está editado en blanco y negro, éste último le explicó que esto era así porque trataba sobre la guerra y que Bone debía estar en color, porque trataba sobre la vida. Con este argumento, Smith quedó convencido de que Bone debía editarse en color. En palabras del propio Smith: Una vez más, Art Spiegelman tenía razón.



- Shazam! The Monster Society of Evil.- Shazam! es el personaje también conocido como Capitán Marvel, un superhéroe de DC Cómics que gozó de gran popularidad en los años '40. El protagonista de estas historias es un niño al que se le ha concedido el don de transformarse en un poderoso héroe de aspecto adulto con tan solo pronunciar la palabra mágica "shazam".

Shazam, The Monster Society of Evil

Shazam! The Monster Society of Evil ha supuesto para Smith una forma de desconectar de Bone, el mega-proyecto que lo ha mantenido absorto durante los últimos 15 años. Cuando durante la conferencia le preguntaron por qué ahora trabajaba para DC, Smith contestó bromeando porque me vendo al mejor postor. Nada más lejos de la verdad: Smith ha sido y sigue siendo una figura destacada entre los artistas independientes, que autofinancian sus proyectos. Tras las risas, Smith nos explicó que el trabajo en Bone había llegado a ser agotador y que la gente de DC lo llamó para hacer este proyecto justo en el momento adecuado.

Según Jeff Smith, la parte más divertida de trabajar en esta nueva historia de Shazam! fue el proceso de documentación asistiendo a salones de comic, convenciones, etc.

Para esta nueva aventura del Capitán Marvel, Smith ha querido recrear de alguna forma el espíritu que embriagaba a los lectores del personaje en los '40. Una muestra de sus buenas intenciones podemos encontrarla en las contraportadas de los 4 tomos que conforman The Monster Society of Evil: al juntarlas, como en un puzzle, obtenemos una nueva imagen.



- RASL.- RASL es un proyecto de dos años: una historia de ciencia ficción que supone el regreso de Smith a la publicación independiente.

RASL, que tras la Comic Con de San Diego, tenía mejor aspecto que nunca

Al ver como Bone se publica en los distintos países en un formato de tamaño cada vez más reducido, Smith ha decidido publicar RASL en un formato comic book muy grande, para recuperar así la sensación que tienes al ser niño de que el comic te queda grande.

Los asistentes a la charla tuvimos el privilegio de escuchar al propio Smith leyéndonos las primeras viñetas, al tiempo que éstas eran proyectadas para todos los de la sala. El efecto fue casi inmediato, ¡ya me muero por leer la historia completa!.

Ante las preguntas del público acerca de RASL, todo lo que Smith añadió es que se trataba de una historia de ciencia ficción pura y dura, de unas 200 - 250 páginas y que comenzaría a publicarse en USA muy a principios de 2008. No quiso contarnos más para no desvelarnos sorpresas.

Además de la divertidísma charla con Smith, los asistentes a esta nueva edición del Salón coruñés tuvimos la oportunidad de conseguir alguna que otra dedicatoria firmada e intercambiar algunas palabras con esta personalidad que poco a poco va ganando importancia en la rica escena del comic moderno. Un auténtico placer para todos los fans de Bone.


Continuará en... Diez años disfrutando del comic en A Coruña (II). Yoshihiro Tatsumi.

TIM BURTON, DE HILARIO J. RODRÍGUEZ. ALGO MÁS QUE UNA BIOGRAFÍA DEL CINEASTA.

Cada película de Tim Burton es un viaje fascinante a su rico mundo interior, donde los sueños se entremezclan con las pesadillas, lo dulce con lo amargo, el blanco y negro con los colores más intensos... En tan largo periplo, Burton nos ha mostrado que la belleza no sigue un único canon y que también puede encontrarse en lo oscuro y lo siniestro. También nos ha enseñado que los monstruos que temíamos en nuestra infancia no tienen porque darnos miedo, sino que pueden ser criaturas amables e incomprendidas. Nos ha enseñado que al madurar no hemos de olvidar al niño que todos llevamos dentro.


Este libro de Hilario J. Rodríguez es una visión personal sobre el autor y su obra, un recorrido crítico y divulgativo a lo largo de la vida de Burton y de sus sueños: su ya extensa y muy original filmografía.

¿Cómo fue la infancia del "amigo de los monstruos"? ¿cuáles eran sus inquietudes? ¿cómo pasó de ser un dibujante "rarito" en Disney a un autor independiente y cotizado en Hollywood? Quizás sean estos los apartados más interesantes del libro: aquellos que nos cuentan historias sobre Burton como persona y no sólo como director, aún cuando ambos rasgos puedan llegar a ser inseparables e indistinguibles.

Igualmente destacable es el estudio constante y meticuloso que Hilario J. Rodríguez realiza sobre la filmografía de Burton: un paseo entre bastidores la mar de agradable, trufado de anécdotas interesantes e historias que nos ayudarán a comprender todavía mejor el incesante genio de Burton y el gran esfuerzo que supuso la génesis de algunas de sus películas. Los cortometrajes, series y colaboraciones en TV también se estudian en este apartado.

A destacar las menciones a las primeras películas de Burton, las grandes desconocidas para el gran público... obras como The Island of Doctor Agor, Stalk of The Celery Monster, Doctor of Doom, Luau, Hansel And Gretel, Aladdin And His Wonderful Lamp, The Jar... Algunas de ellas muy difíciles de conseguir (The Jar) y otras imposibles de visualizar (The Island of Doctor Agor).

Toda esta información tan bien escrita como entretenida de leer desemboca, para sorpresa del lector, en unos apéndices finales imprescindibles:

- Tim Burton de la A a la Z.- Un pequeño diccionario de términos relacionados de una u otra forma con la obra y la vida del director.

- Opiniones Contundentes.- Imprescindible recopilación de lo que algunos críticos han declarado sobre el cine de Burton.

- Voz Propia.- Declaraciones de Burton sobre sí mismo y sus películas. Inteligente recopilación que subraya aspectos expuestos en páginas anteriores. Uno de los mejores apartados del libro.

Además, el autor nos obsequia con una lista personal de películas recomendadas (en general, no sólo de Burton) y un apartado con los datos más relevantes sobre la filmografía de Burton.

En definitiva, estamos ante un libro imprescindible para los fans de Burton: una obra que debería pasar por las manos y los ojos de todo aquel mínimamente interesado en su peculiar modo de ver el cine y la vida.

En este mundo gris y opulento, repleto de problemas y prisas es bueno pararse de vez en cuando a soñar despierto y disfrutar con la belleza y la tristeza que oculta cada esquina; recuperar nuestra imaginación y la capacidad para sorprendernos... Y un buen modo de hacerlo es viendo películas maravillosas como Eduardo Manostijeras, Big Fish, Batman o La Novia Cadáver, por mencionar solo una pequeña parte de la obra de Burton. Cuentos inmortales, sueños enlatados y liberadores al alcance de todos los que quieran vivirlos...


"Tim Burton", escrito por Hilario J. Rodríguez, publicado por Ediciones JC, como el nº 63 de la "Colección Directores de Cine". Consta de 223 páginas, incluye imágenes en blanco y negro y cuesta unos 15 euros.

Hilario J. Rodríguez colabora en las revistas Dirigido Por, Clarín, Rock de Lux, Imágenes de Actualidad y Revista de Occidente, y en los diarios ABC y La Vanguardia. Ha publicado una novela (Construyendo Babel) y varios libros sobre cine, de los cuales destaco Lars von Trier. El Cine Sin Dogmas.

BATMAN: LUZ DE GAS. EL MURCIÉLAGO VIGILA... DESDE EL INFIERNO...

"Me llamo Jack. Como mínimo, ése es el nombre que me puse en una carta y una tarjeta que envié a la Central News Agency. Cuando escribí al Comité de Vigilancia de Whitechapel, tan sólo firmé "Desde el Infierno". Envié también la mitad de un riñón que había arrancado a una víctima y les dije que había frito y me había comido la otra mitad..."

Así comienza esta aventura de Batman: con una carta de Jack "El Destripador", el famoso asesino sanguinario que asoló el Londres victoriano... al acecho... entre las sombras... desde el Infierno.


¿Qué habría pasado si la "transformación" de Bruce Wayne en el Señor de la Noche hubiera tenido lugar a finales del siglo XIX, en la época de Jack "El Destripador"?. Ésta premisa es la semilla de una breve pero intensa historia escrita por Brian Augustyn y dibujada por Mike Mignola, que imprime un carácter inusitadamente desolador, oscuro y tenebroso a esta particular visión de lo que habría sido una aventura de Batman ambientada en 1889.

Bruce Wayne, el joven millonario americano, ha terminado sus estudios y regresa de Londres.
De nuevo en su hogar, Wayne se dará cuenta con horror de que un terror proveniente de las oscuras y peligrosas callejuelas londinenses acaba de llegar a Gotham.

El trabajo de investigación realizado por los creadores se refleja con claridad en los diseños del vestuario, los peinados de los personajes, el estilo arquitectónico de los edificios, los barcos y los carruajes, los periódicos (por cierto, en esta edición española, las fechas son erróneas -1989 en lugar de 1889-)... Sin embargo apenas veremos muebles, ya que gran parte del guión transcurre en espacios abiertos y los planos interiores parecen especialmente pensados para evitar el dibujo de mobiliario. Esto último no es un defecto, sino más bien una virtud: un factor que aporta sobriedad al trazo tan característico de Mignola y que nos permite centrarnos aún más en la historia.

El escenario es de lo más atractivo y la historia está tan bien dibujada como los trazos de Mignola, sin el cual esta obra no habría sido la misma...

En definitiva, estamos ante una de las mejores y más originales aventuras de Batman, una adquisición obligada para todos los fans del Señor de la Noche.

Batman: Luz de Gas, una aventura de DC Comics editada en USA durante 1989, fue publicada a finales de 2003 en España por Norma Editorial, consta de 48 páginas y puede adquirirse por unos 6 euros. Sus autores son Brian Augustyn y Mike Mignola.

ANIMAL MAN DE GRANT MORRISON. COMIC EN MAYÚSCULAS.

Buddy Baker está casado con su novia de la adolescencia, tiene dos hijos pequeños y... es un superhéroe. Animal Man es su alias. Cuando una nave alienígena explotó ante él Buddy adquirió sus poderes (al menos él cree recordarlo así). Desde ese momento, este héroe a su pesar es capaz de adquirir las habilidades de cualquier animal. Si así lo desea Animal Man puede volar, regenerarse, saltar enormes distancias, correr a toda velocidad, respirar bajo el agua... y esto no es un secreto para nadie. Sus vecinos, amigos y familia conocen perfectamente las peculiares habilidades de Buddy.

Animal Man mirando... espera, ¿eso no es Animal Man? xD. Mi curiosa reinterpretación de una de las ilustraciones...

Grant Morrison es el guionista británico que, a partir del '88, resucita a este personaje secundario de DC Comics convirtiéndolo en absoluto protagonista de una serie de 26 números más que recomendable.

Al comienzo de la lectura parece que estamos ante una colección de historias independientes cargadas con los tópicos de los clásicos cómics de superhéroes norteamericanos. Así, la primera impresión que uno se lleva es la de estar ante un superhéroe bastante cutre.

Nada más lejos de la verdad... Morrison ejecuta desde el principio y con gran maestría un juego de despiste con el lector. En su particular visión de Animal Man nada es lo que parece.

Poco a poco el lector se hace consciente del tono de autoparodia que impregna la historia:

- En un episodio, Animal Man se encuentra con Superman para inmediatamente correr hacia una cabina de teléfonos y contarle a su mujer que ha estado hablando con "Él").

- En otro número, Buddy menciona que no todo superhéroe puede permitirse ser "un millonario playboy" en clara referencia a Bruce Wayne/Batman.

- En uno de los episodios incluso hay un claro homenaje/parodia a las aventuras del Coyote y el Correcaminos...

Detalles como éste y la aparición de personajes más conocidos de DC (Superman, el Detective Marciano) dan vida a la historia en sus primeros números, ganando poco a poco la complicidad del lector y logrando salvar el escollo que supone el trasfondo ecologista del héroe (es fantástico que Animal Man defienda los derechos de los animales, pero un héroe centrado sólo en esto corre el peligro de acabar siendo pueril y ridículo).

Y entonces, sin previo aviso, empiezan las paranoias y desvaríos. Viñetas que aparentemente no tienen nada que ver con la historia que estamos leyendo, frases misteriosas e inconexas, una frase que lentamente se escribe en la pantalla de un ordenador, personajes desconocidos que aparecen de golpe y fuera de contexto y, tras un par de viñetas sin (a priori) mucho sentido, desaparecen.

En este punto la serie corre el peligro de ser desdeñada por el lector por "rara" y "estrambótica", incluso "bizarra". Un poco de paciencia nos demostrará que estamos muy equivocados.

A pesar de lo que pueda parecer en un primer momento, todos los episodios están relacionados y la historia es sólida como pocas; pero hemos de darle tiempo pues es hacia el final cuando el savoir faire de Morrison como narrador se hace patente y su Animal Man pasa de ser absurdo y psicodélico a convertirse en algo grande, tremendamente original e impactante. No en vano se ha convertido por derecho propio en una obra de referencia en el comic USA...

Así, lo que para mí empezó como una lectura de mero entretenimiento, pasando páginas con aire condescendiente, acabo por materializarse en un adjetivo que hube de proferir en voz alta "¡tremendo!".

Lo peor: lo bueno tarda en llegar.

Lo mejor: una vez llega, todo cobra sentido. El sentido del humor. Los momentos dramáticos. Los últimos números y el desenlace. La genial aparición de otros superhéroes poco conocidos en el número 23 y el papel que juegan en la historia.

Autores: Grant Morrison (guión), Chaz Truog (dibujo), Tom Grummett (dibujo), Paris Cullins (dibujo), Dough Hazlewood (tinta), Steve Montano (tinta), Mark Farmer (tinta), Mark McKenna (tinta), Tatjana Wood (color), Helen Vesik (color), Lee Loughridge (color).

Los 26 episodios de Animal Man correspondientes a la etapa de Grant Morrison han sido publicados en España en 6 tomos recopilatorios: los 3 primeros -"La Naturaleza de La Bestia" (números 1-4), "El Evangelio del Coyote" (números 5-8) y "El Origen de Las Especies" (números 9-12)- han sido publicados por Norma Editorial y los 3 últimos -"La Hora de La Bestia" (números 13-17), "Uñas Y Dientes" (números 18-21), "Deus Ex Machina" (números 22-26)- pertenecen a Planeta DeAgostini. Precio aproximado: unos 8'95 euros cada tomo recopilatorio.

Nota: Un agradecimiento especial a Marta por prestarme esta gran obra y dármela a conocer. ¡Gracias desde Audiovisual Reviews!.


Otros enlaces interesantes:

Página oficial de Grant Morrison.

Animal Man en Wikipedia (en inglés).

SERENITY: AQUELLOS QUE DEJAMOS ATRÁS. LAS AVENTURAS DE MALCOLM REYNOLDS Y CIA. CONTINÚAN EN PAPEL.

Aquellos que hayais tenido la oportunidad de ver Firefly ya conoceréis a la tripulación de la Serenity: un grupo de personajes que no le hacen ascos a la vida de contrabandistas y cazarrecompensas con tal de ganar lo suficiente para mantenerse vivos y con algo de combustible en el depósito de su nave. Esta serie fue cancelada tras el maltrato recibido en su aventura televisiva USA y, contra todo pronóstico, acabó convirtiéndose en un producto de culto para los aficionados a la buena ciencia ficción. Méritos no le faltan...

Una vez cancelada la serie, Joss Whedon inició el rodaje de una película que continuaría las aventuras de nuestros héroes. Así, los acontecimientos narrados en Serenity tenían lugar un tiempo después del último capítulo de la serie. Por eso os recomiendo que veáis la serie antes que la película...
Artwork usado en la cubierta del primer número en la edición española.

A pesar de todo, el espectador notaba que había un hiato bastante notable entre ambas producciones... Personajes que no están donde los habíamos dejado en la serie, villanos que parecían tremendamente importantes en la historia y que ya no aparecen... ese tipo de cosas.

Serenity: Aquellos que dejamos atrás es un cómic situado cronológicamente entre los acontecimientos de la serie y los de la película que pretende enmendar esto.

En España esta historia ha visto la luz en una publicación mensual de la Editorial Recerca: la Colección HAL, que nos permite vivir las aventuras del Capitán Malcolm Reynolds y el resto de la tripulación de la Serenity en formato comic a lo largo de dos números (3 números en la edición original de Dark Horse) con cubierta blanda y un total de 100 páginas aderezadas con interesantes anotaciones y contenidos extra:

- El Universo de Serenity.- Nos cuenta los antecedentes históricos del entorno en que se desarrollan las aventuras de nuestros héroes y aporta información sobre la serie y los personajes.

- Traducción de las expresiones malsonantes.- En el universo de Serenity, los personajes hablan ocasionalmente en chino para proferir tacos y otras expresiones malsonantes. Aquí se detallan algunas de las que aparecen en el cómic junto a su versión traducida a castellano.

- Un listado de cubiertas alternativas y pin-ups.- Interesante serie de ilustraciones donde incluso hay sitio para las caricaturas.


- Un avance de 10 páginas sobre la producción mexicana El Arsenal, que toma el relevo de Serenity en los siguientes dos números de la Colección HAL (números 3 y 4).

En fin, una adquisición muy económica y recomendable.

Todas las versiones de las cubiertas existentes para los 3 números en la publicación original (Dark Horse).

Serenity: Aquellos que dejamos atrás (Serenity: Those Left Behind), escrito por Joss Whedon y Brett Matthews, ilustrado por Will Conrad y entintado por Laura Martin en 2005-2006; fue editado originalmente por Dark Horse Comics y ha sido publicado en España por la Editorial Recerca, dentro de la Colección HAL. 2 números, cada uno de los cuales cuesta 3'50 euros.


Otros enlaces de interés:
- El Universo Serenity en Fan Done (en inglés).
- Exhaustivo comentario sobre el comic en Wikipedia (en inglés). ¡Cuidado con los spoilers!

EL INNEGABLE PODER DE LAS IMÁGENES: CINE DIGITAL. ESCENARIOS DE CIENCIA FICCIÓN.

Escena de El Quinto Elemento.

"Una imagen vale más que mil palabras". Este viejo (y, en ocasiones, discutible) dicho se convierte en un precepto esencial cuando hablamos de cine de ciencia ficción, género donde la imaginería visual goza de un poder inconmensurable para captar la atención del espectador y comunicarle, en cuestión de segundos, gran cantidad de información y sensaciones. Aquí cobra especial importancia la figura del diseñador de producción, que crea, contribuye y/o da forma a un enorme conjunto de ideas sobre el aspecto que debe tener el escenario en el que se desarrolla la acción del filme.

Cuando la creatividad se dispara y la imaginación desborda las posibilidades físicas y estéticas de la realidad que conocemos, es necesario recurrir a trucos ópticos, pinturas matte y efectos digitales para conseguir trazar con pulso firme los contornos atmosféricos de la historia hasta hacerlos creíbles y convertirlos en una fugaz realidad palpable para el espectador.

Portada de la edición original (idéntica a la española salvo por el texto).

Cine digital. Escenarios de ciencia ficción se centra en la creación de estos entornos futuristas para las películas de los últimos 22 años. Es un libro que llama la atención por varias razones. La primera y más inmediata de ellas es su formato: un cuadrado casi perfecto de unos 255 mm de lado en cuya portada podemos ver llamativas imágenes de dos películas del género bien distintas: en la mitad superior, una hermosa instantánea del paisaje futurista de A.I. Inteligencia Artificial que capta la sensualidad y el colorido de Ciudad Rouge, la capital del placer en el filme de Spielberg; en la mitad inferior, una fotografía aérea del Manhattan gris, extraño y distópico retratado con gran éxito en Immortel, en la que destaca el inquietante rascacielos que sirve como sede de Eugenics.

En el interior, acompañando a un texto interesante, claro y preciso, abundan las imágenes de gran formato que captan al momento la atención del lector; todo un acierto, teniendo en cuenta que estamos hablando de un libro que hace hincapié en lo visual. La maquetación es sobria y elegante, lo que permite disfrutar aún más con la lectura y la admiración de las fotografías.

Respecto a las imágenes, el único punto negro reside en la baja resolución que muestran algunas de ellas (las de Blade Runner y Desafío Total, por ejemplo), aunque la mayoría poseen un buen nivel de nitidez.

Una vez tratado un tema tan importante como es el (atractivo) aspecto del libro, podemos pasar a un tema igualmente importante y del todo indispensable: el contenido. Cine digital. Escenarios de ciencia ficción consta de cuatro apartados esenciales:

- "Futuro Perfecto Imperfecto". Una introducción informativa, clara y brillante.

- "Los Mañanas del Ayer". Un breve repaso a la era predigital.

- "Las Películas". El alma del libro. Un interesante recorrido sobre 30 películas que abarca 22 años (desde 1982 hasta 2004).

- "Apéndices". Aquí destacan un pequeño glosario de términos importantes (aunque no indispensables) para comprender los aspectos más técnicos del texto y un apartado de información complementaria que incluye un interesante listado de películas de ciencia ficción y una colección de bibliografía relacionada con el tema (libros, revistas y direcciones url).

En Cine digital. Escenarios de ciencia ficción el autor, Matt Hanson (escritor y director de cine), se centra en el apartado visual de las 30 películas que toma como referentes pero, al mismo tiempo, nos transmite cuestiones indispensables en ellas, como su temática o argumento de partida así como interesantes detalles sobre su concepción y gestación. Y lo hace de forma metódica, clara y ordenada pero mateniendo siempre un enfoque personal, lo cual se agradece enormemente pues imprime personalidad al texto.

Matt Hanson, autor del libro.

Las películas tratadas son bastante variadas y el catálogo incluye varias cintas de animación, algo que sorprende gratamente a los aficionados que contemplamos con asombro la indiferencia de ciertos autores por estas obras algo más olvidadas o marginadas del género: películas que lejos de pertenecer al ámbito infantil (como parecen pensar, por ignorancia, los encargados de ciertas superficies comerciales) suelen tener una gran profundidad y requieren de madurez para poder entenderlas y apreciarlas debidamente.

Las películas que estudia Hanson son:
- Blade Runner (Ridley Scott, 1982).

- Tron (Steven Lisberger, 1982).

- Dune (David Lynch, 1984).

- Brazil (Terry Gilliam, 1985).

- Batman (Tim Burton, 1989).

- Patlabor (Mamoru Oshii, 1990).

- Desafío Total (Paul Verhoeven, 1990).

- Alien 3 (David Fincher, 1992).

- Memories (Katsuhiro Otomo, 1995).

- La Ciudad de Los Niños Perdidos (Marc Caro & Jean-Pierre Jeunet, 1995).

- Johnny Mnemonic (Robert Longo, 1995).

- El Quinto Elemento (Luc Besson, 1997).

- Starship Troopers (Paul Verhoeven, 1997).

- Dark City (Alex Proyas, 1998).

- La Amenaza Fantasma (George Lucas, 1999).

- A.I. Inteligencia Artificial (Steven Spielberg, 2001).

- Metrópolis de Osamu Tezuka (Rintaro, 2001).

- Minority Report (Steven Spielberg, 2002).

- Solaris (Steven Soderbergh, 2002).

- Código 46 (Michael Winterbottom, 2003).

- Matrix Revolutions (Andy Wachowski & Larry Wachowski, 2003).

- Wonderful Days (Kim Moon-saeng).

- Natural City (Byung-Chun Min, 2003).

- Yo, Robot (Alex Proyas, 2004).

- Appleseed (Shinji Aramaki, 2004).

- Immortel (Enki Bilal, 2004).

- Casshern (Kazuaki Kiriya, 2004).

- Sky Captain Y El Mundo del Mañana (Kerry Conran, 2004).

- 2046 (Wong Kar Wai, 2004).

- Ghost In The Shell 2: Innocence (Mamoru Oshii, 2004).

En general estoy bastante de acuerdo con los referentes propuestos, aunque considero que en el período temporal escogido por el autor faltan algunas cintas esenciales (como 12 Monos, Nivel 13, Días Extraños, Stargate o Gattaca), otras que podrían ser interesantes (Equilibrium) y sobran al menos un par que no me parecen especialmente buenas ni excesivamente importantes; es el caso de Alien 3 (el autor dice que está muy infravalorada pero, no puedo evitarlo, me parece la peor de la saga; mis favoritas son la primera y la cuarta) y Casshern. A pesar de esto último he de reconocer que disfruté con los capítulos correspondientes a dichas películas y obtuve información que considero interesante.

La única crítica consistente que puedo hacer tiene que ver con la falta de homogeneidad en el tratamiento de ciertas películas: algunas cuentan con 12 páginas, como Wonderful Days o Immortel y otras con 2 tristes páginas, de las cuales sólo una tiene texto; es el caso de Appleseed o Patlabor. De todos modos, sería injusto decir que esto supone un lastre para el libro, que goza de virtudes más que suficientes para convertirse en un referente y una compra indispensable para cualquier persona que disfrute con el cine de ciencia ficción y quiera profundizar un poco en el tema o conocer interesantes títulos de los que no se suele hablar tanto en los circuitos más generalistas de información cinematográfica. Esa es otra virtud de Cine digital. Escenarios de ciencia ficción: al tratar películas tan dispares, permite descubrir alguna cinta desconocida por el lector; al menos, a mí me ha pasado y también a todos los amigos que tuvieron en sus manos mi ejemplar del libro.

Su texto claro e interesante, su buena maquetación y la lista de películas que trata dotan de gran interés a esta obra. Todos los aficionados al cine deberían echarle al menos un vistazo y darle una oportunidad. Merece la pena y os lo recomiendo con fervor.

Cine digital. Escenarios de ciencia ficción (Building Sci-Fi Moviescapes), escrito por Matt Hanson en 2004, tiene 176 páginas y ha sido editado en España por Editorial Océano, S.L. Cuesta unos 30 euros.

Otros enlaces interesantes:
Eternal Gaze, el blog de Matt Hanson (en inglés).
The End of Celluloid, otra interesante obra de Matt Hanson (en inglés).
A Swarm of Angels, revolucionario proyecto cinematográfico de Matt Hanson (en inglés).